文 / 夏可君 / 哲学博士、中国人民大学副教授、策展人
中国文化的生命意志通过书写建立起来，因为书写最好地连接了自然与身体，客体与主体，尤其是线的铭写，既轻逸灵动又富有生命的气息，但是进入现代性之后，以西方油画材质为主体的绘画如何重新接纳自然的生长性，使之具有线条的律动感。
尽管自然界并没有线条，但在中国书写家看来，对线条的抽取，既可以拟似自然的生长蔓延，也可以用笔墨来重新塑造，以体现笔墨的表现力，但又并不同于西方的素描描绘与雕塑造型，而是书写出自然无尽生长的气息，西方雕塑与素描的坚固性是一种永恒性，但中国文化对自然生长性的拟似，是另一种永恒性，这是激活自然的可塑性。但如何在油画布面的材质上，重新激活书写的自然灵气？在宣纸上以毛笔书写是容易的，也是可学的了，但如何以油画进行？这几乎没有多少先例可以参照。
一个好的艺术家必须找到化解油画颜料的方式，油画颜料本身不过是一种已经僵化的工业化生产的材料，只有精神可以化解之，以视觉建构或者造型塑造是容易的，但只有通过个体的精神，以个体的血液来化解颜料，使之活跃起来，使之充满灵性，才可能焕发出迷人的呼吸，这需要艺术家持久的琢磨颜料，甚至很多年孤独而持久的工作，如同诗人里尔克写到塞尚所言的“孤独而强大”，我们就看到中国艺术家唐华伟这么多年来也是以其“寂寞而坚韧”的气质，以自己独特的艺术语言，唤醒了自然的灵性。
当代的油画，尤其是具有水墨精神的中国油画如何在精神层面上建构起来，一直是现代性以来的严峻课题，作为受过良好训练，而且是油画大家冯法祀先生的高足，甚至还与乃师一起合作过代表作的艺术家，唐华伟有着自己清醒的思考，在接受严格写实训练与对艺术史的严峻反思之后，他把自己的艺术创作重新归零，进行了一次彻底地“清零”，以便重新选择自己的艺术道路，重新建立自己独有的认知体系与语言方式。于是，唐华伟放弃了写实，而走向中国传统的写意，确立了“线条书写性”的新根基，但这是在油画上进行的。
现代性的绘画一直在面对塞尚的根本疑惑：即，一方面要有着古典造型的坚实性与永恒感；另一方面，又要有着印象派以来的未完成性与偶发自由感，即随意涂抹的愉悦；西方现代性的绘画几乎走向了分化的极致，要么借助于影像技术，而走向超写实；要么走向几何抽象，甚至走向行动抽象与黑色绘画，让绘画自身取消；那么，如何可能既保留可见形体的塑造性，还有着涂写的欢愉？这是再次回到自然，因为自然的生长性有着形体，但并非固定的塑造，这是再次回到书写性，书写可以以线条来造型，但更为自由随性，重建书写与自然的关系，以中国人对世界并不二元区分的世界观，就可以打开一条新的绘画道路。
唐华伟的选择就是如此，有着很多年的坚实训练与写生经验，有着对水彩与水墨关系的色彩流动性实验，找到了化解油画颜料，但又保留自然生长性姿态的方式，形成了自己鲜明的艺术语言，这个鲜活与明确，正是唐华伟自己的审美追求。
在这些2013年以来，以彩色线条建构起来的新作上，我们看到了线条的重生，这是如何做到的？要以油彩书写出具有水墨味道的线条并不容易！唐华伟经过了很久的实验与琢磨，在基底与笔法、以及生成的物象上，都找到了自己独特的手法。
首先，是基底色层的铺垫。在油画基底上下功夫，绘画是要回到材质本身上，以及对平面基底的重新处理上，因为基底之为平面，之为绘画的开始，如何既要有着平面的平面性，还有着随后空间的敞开与形体的生成，让材料保持含蓄准备的状态，保持自身的厚度，但又为随后的笔法带来可能的丰富变化，如何敷设与铺垫，蓄势待发，这是唐华伟精心思考与准备的，就是反复叠加色层，把不同颜料叠加在底层，以便被随后的笔法打开，这个准备与含蓄，乃是一种中国智慧，一切是隐而未发的铺垫状态，一直有着孕化与运化的可能性，保持内在生长的涌动，但又被色层反复覆盖了，保持为抽象性的不可见。
其次，笔法的书写力道。如何让油画材质具有书写的质地：既要有着线条的塑造，又要有着线条的轻盈，而且与色彩相关，既要有着色彩的绚烂，又要有着凸凹的韵致？唐华伟不是以毛笔，很多人会选择毛笔或者排笔等等，比如曾梵志，那样线条会过于宽大而且缺乏凸凹触感，唐华伟则是以油画刀，各种大小不等的画刀，还是西方的油彩与画刀，但在唐华伟手下，他却是以中国书法与绘画的线条来使用的，因为刀尖的尖锐以及力度，才可以穿透色层，让隐含的色彩得以在自由的书写中被翻卷出来，这些线条就带有色彩的丰富性，还有着即兴偶发的姿态。或者就是以纯粹的抽象线条的书写，套叠交错，笔触肯定，甚至坚定自信，有着强烈的肌理触感，宛若传统书法的锥画沙与印印泥一般的笔痕，就如同书写文本的编织，当然这是自然的文本涂写。有着单色绘画的基调，但其色调都有着唐华伟自己的考量，无论是黄色还是棕红色，都带有一种精神燃烧后的剩余感，这是现代性的精神情调，是个体生命精神强烈燃烧的记录，是精神痛苦灼热的隐秘记录，带有一种暗哑的色调与深沉，甚至黑夜的迷茫，但线条的蓬勃，坚韧的生长，无止息地蔓延，交错中的牵缠，奋发的挣脱，都是精神渴望自由生长的见证，富有强烈的触感，提高我们精神的目光，这是《易经》所言的“君子自强不息”的气概。
最后，则是物象的幽暗。以画刀来书写，这些线条要么是自身的重复，以其力道、色层及其生命状态的差异，书写出不同的形态，即便带有抽象表现的样式，其色调，在暗色冷感与灼热强度之间寻找着平衡，线条获得了“气韵生动”的音乐性，因为笔法本身的节奏顺着线条而自由生发。但更多时候，唐华伟走向了暗色或夜色的风景，这是唐华伟自己渴望的《彼岸风景》，《秘境》和《幽境》，总是带有一种暮色与黑夜来临的景致。为何唐华伟钟情于这样的时刻？为何他偏爱夜色中那些树枝疯狂勃发的姿态？显然这是艺术家面对了现代性的根本处境：现代性的精神乃是在虚无仓惶中个体孤独地寻找着未知的家园，这家园是心中的投射，只能孤独地穿越虚无的黑暗，无论多么优美的自然风景，都已经打上虚无的色泽，但夜色越是浓烈，内在的生命之光、内在精神的激烈燃烧，就越是灼热。在了不起的代表性《仲夏夜》这幅巨作上，向着黑夜深入的道路把我们带往了未知闪烁的黑暗，但道路两旁暗棕红色的树枝或者其他植物，一枝枝、一根根，尽管有所倾斜，却都卓然明晰，似乎都在燃烧，彼此以其温度在点燃对方，暗棕色在漆黑的底色与闪烁的星群下，就是一颗颗在呼吸的魂魄，精神获得了自身最为明确的肖像。
这些生长与蔓延的枝条，显现出自然内在涌动的活力，带有精神燃烧的烙印，它们就是艺术家内心激情的外在显现，它们彼此错叠，但色层分明，它们彼此触发，透出诗意的幽微之光。如同《月光下》这个作品带来的那种暗绿色的冷光，激烈而内敛，丰富而深沉，这一定是经过很多年艰苦熬炼之后才获得的质地，是艺术家自己独特精神能量所投下的色感。
在那些水彩作品上，我们看到了唐华伟的另一面，更为轻盈，色彩更为流动，面对写生对象，却在色彩上有着自己主动而大胆地强化，这并非是自然的再现，而是内心情感的投射，但都有着自然的抒情性诗意，有着自身情绪的真切流露，是时光的拓片，是光阴的留驻。而且水彩具有水墨的韵味，也为他油画上色层的叠加做好了准备，把水彩的流动性与薄透性带往油画的厚实，也为油画的自由涂写在感知上有所酝酿。
在油画中带入中国水墨性的精神，以画刀激发出传统书法的屋漏痕、锥画沙与印印泥的那种细微触感的笔踪，唐华伟油画上的线条饱满、华美而充满精神的强度与印刻的力度！因为这是时光的留驻，画家所要捕获的是消逝的时间，每一条树枝，每一道抽象性的笔痕，都是对消逝时光的追踪与挽留，因此留下了精神燃烧的印痕，笔踪本身就是时光的铭记，这也是为何唐华伟要以暗色调，尤其是暮色与夜色为绘画的底色，因为那是时间转折的时刻，那是时光消失的时刻，绘画乃是对时间之隽永的挽留，绘画不过是为时光描绘形象，这是绘画的本体论与精神上的深刻意蕴，对此敏感的艺术家，才会走得远，走的深。